Archivo de la categoría: A.M. EN ESCENA

Actividades del Colectivo A.M. en escena, así como de sus independencias

En el Chopo

Del jueves 16 al domingo 19 de MARZO de 2017, el colectivo a.m. presenta 3 proyectos en el Museo Universitario del Chopo.

Enlace

Tírate un paso

Este colectivo está participando en el proyecto Entre Utopía y Desencanto.
Nos haremos cargo de la “Pista de Baile” que se llevará a cabo el sábado 5 de abril en el Jardin Borda, en Cuernavaca, Morelos. Y paralelamente estamos recopilando pasos de baile de todo el que guste donar, que pasarán a formar parte del dominio público. “Tírate un paso”… (en el link de arriba de esta publicación)

“Entre utopía y desencanto” se basa en la construcción de un proceso colaborativo a largo plazo que busca recuperar experiencias e imaginarios en torno al ámbito de comunidad a partir de iniciativas históricas que tuvieron lugar en Cuernavaca entre las décadas de los 50 y 80, haciendo un ejercicio de memoria y explorando su vigencia y su reverberación en las generaciones que les suceden.

Encuentro público // Programa integrado por acciones e intervenciones públicas, diálogos y talleres generados por artistas y colaboradores relacionados con iniciativas históricas y actuales desde el ámbito educativo, psicoanalítico, feminista y desde el trabajo comunitario.

Participantes
Eunice Adorno, Beta-Local/La Práctica (Puerto Rico), María Eugenia Calva, Alejandro Chao, Colectivo AM, Cráter Invertido/Revista Cartucho, Abraham Cruzvillegas, Finella Halligan, Pablo Helguera, Sol Henaro, Magali Lara, Mauricio Marcin, Marcela Marcos, Sylvia Marcos, Jorge Margolis, Sarah Minter, Nuria Montiel, Taniel Morales, Roberto Ochoa, Sofía Olascoaga, Ignacio Plá, Vicente Razo, Naomi Rincón-Gallardo, UniTierra (Oaxaca)*.

En colaboración con
Enrique Acosta, Héctor Cervantes, Agustín Dávalos y los Amos del Recreo Orquesta, Jorge González, Fabiola González, Jesús González, Isadora Escobedo, Manuel Maciel, Carmen Marín, Pavel Mora, Enrique Muñoz, Laura Nájera, Gustavo Olivares, Irinea Pérez, Diana Tamez, Citlalli Villalobos*.

UFM Alterna, Facultad de Artes UAEM, Centro Morelense de las Artes, Taller de Iniciación Musical Ocachicualli, Callejón del Libro y Foro de la Banqueta, Comité de Derechos Humanos Ajusco*.

*A estas listas se sumarán nuevas participaciones en vías de confirmación.

La muerte del pulpo

Durante los fines de semana de noviembre, este Pulpo estará festejando su agonía, con el deseo de compartir las nuevas piezas, los encuentros y los textos de los que somos responsables. El proyecto Pulpo termina con un agonizante y emocionado deseo por compartir y finalmente cerrar.

LA MUERTE DEL PULPO

Pálidos reflejos se agitan sobre su forma oscura.
Bajo truenos superficiales, en las honduras del mar abisal,
El Pulpo duerme su antiguo sueño.
Yace ahí desde siglos, y yacerá.
Cuando el último fuego caliente el abismo
(sólo allí nos será dado verlo)
surgirá entre tinta y estruendo,
y en la superficie morirá.
-Lord Alfred Tennyson

PROGRAMA DETALLADO

-sábado 9 y domingo 10 de noviembreArtistas invitados de Movement Research:
13:00 Alex Escalante
14:00 Larissa Velez Jackson

-sábado 16 y domingo 17 de noviembre
13:00 Sin imagen (Esthel Vogrig)
13:15 Animal Aburrido (Juan Francisco Maldonado)
14:30 Dance Dance Dance (Magdalena Leite y Aníbal Conde)

-sábado 23 de noviembre
13:00 Historias posibles del cuerpo (Anabella Pareja Robinson)
14:00 “El lenguaje es un virus” (William S Burroughs) (Nadia Lartigue)

-domingo 24 de noviembre
13:00 Historias posibles del cuerpo (Anabella Pareja Robinson)
14:00 Momento Atlántida. De cómo la célula cambió contemporánea (Hunab ku Mata Caro)

-sábado 31 y domingo 1 de diciembre
13:00 Aparición (Alma Quintana)
13:45 Residuos de acciones (Leonor Maldonado)
14:30 Cuerpo Cajón (Bárbara Foulkes)

SÁBADOS Y DOMINGOS DE 13:00 A 15:00 DEL 9 DE NOV. AL 1 DE DIC. 2013
TEATRO EL MILAGRO. calle Milán 24, col. Juárez. México D.F.
Costo de la entrada $85 y $60 por día

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Arrecife en el MUAC 28.08.2013 / 15.09.2013

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28.08.2013 / 15.09.2013 en el MUAC

Un arrecife es a la vez un cuerpo y un documento de ese cuerpo.
Sus cadáveres acreditan su historia y sostienen su cuerpo vivo.
-Steve Zissou
 
 
Arrecife es un proyecto que propone invertir, a partir de la danza, la lógica del archivo para someterla a la de la escena: la del reino de lo que desaparece en el acto mismo de su materialización y que no puede residir en sus restos materiales. Durante nueve días se repite una coreografía. Cada día, un colaborador diferente documenta algún elemento de los cuerpos en acción y lo inserta en un depósito que es a su vez un intento de archivo.
 
La tarea que se propone el colectivo A.M. es una puesta en escena de los límites del archivo, un desafío a su fuerza de ley en complicidad con la finitud. What happens in Vegas, stays in Vegas. La premisa es que el acceso a este anti-archivo -un riguroso intento de documentación  articulado desde el campo de conocimiento de cada colaborador (artistas visuales, científicos, ingenieros de sonido, etc.)- dependa de la presencia de un cuerpo en movimiento sin el cual desaparece; este  ejercicio le impedirá efectuar el mandato de cerrarse, establecerse y ponerse al abrigo. El registro se convierte entonces en una prótesis del cuerpo en movimiento que nunca se sostiene por sí sola, puesto que lo vivo nunca desaparece en presencia del archivo, se produce una tensión entre ambos. La fisión que asedia desde el origen a la experiencia generada para ser archivada- la operación de separación entre la impresión y la impronta-  es revertida al archivo. La lógica de robo de autonomía se invierte. 
 
Si la danza va a entrar al museo tiene que defender su temporalidad y su inmaterialidad. Pero ¿qué tipo de inmaterialidad? El nuevo entusiasmo por la danza en la escena contemporánea internacional, responde también a una lógica específica de mercado y a una sociedad basada en  el intercambio laboral y cultural de valores inmateriales1. Las experiencias han reemplazado a los objetos como mercancía primaria. En 1998 B. Joseph Pine II y  James H. Gilmore  acuñaron el término “economía de la experiencia” con el cuál inscribían a la experiencia como el siguiente paso evolutivo de la economía: Las materias primas son fungibles, los bienes tangibles, los servicios intangibles, y las experiencias memorables2. Se trata de generar las condiciones de posibilidad para que la danza entre al museo conservando su naturaleza inmaterial sin domesticación, no como una mercancía acumulable por ser memorable sino  postulando la inmaterialidad soberana y por lo tanto finita.
 
 
 

HABLANDO DE PROCESOS

RECONSTRUCCIÓN DE UNA ENTREVISTA QUE NUNCA EXISTIÓ. A PARTIR DEL RECUERDO DE LOS COMENTARIOS QUE RECIBÍ DE LA PIEZA las cosas no son (sino) lo que son.

 19 de enero de 2012. 12 pm casa de Magdalena Leite. Reunión con el Colectivo AM. Sólo faltan los tres integrantes del Colectivo que están en Estados Unidos y Alma que llegó un poco tarde.

Todos sentados alrededor de la mesa bajita de la sala, hay mate, café y alfajores….y algunas cajetillas de cigarros.

ML: Empezamos?

TODOS: Si.

Silencio.

ML: Bueno. Empiezo yo.

¿Por qué cambiaron la palabra mear por orinar cuando habla María Villalonga en el video? No deberían ser tan cuidadosos con el espectador, eso me hizo ruido.

AP: Debido a que el audio en Skype no es el mejor, decidimos subtitular los videos. Leo, quién se encarga del tema de edición y es argentino, pensó que en México no se decía mear, jaja! no sé por qué. Tampoco le di tanta importancia al cambio.

Evidentemente no había un cuidado de que no sonara fuerte lo que María decía, ya que la palabra cagar o el decir ir a hacer caca, quedaron intactas. Fue un error nada más…

ML: Es una obra con una estética pop, que ya te caracteriza.

AP: Es raro, nunca me habían dicho que era Pop, hasta que llegué a México. Si bien me gustan muchos los colores, vi mucho MTV, tengo un blog con Juan Fran de ensayos pop y seguramente tengo gustos que se encasillan dentro del pop, no es algo que me proponga en mis obras o en la vida a rajatabla.

Si me gusta prestar mucha atención en la música, en los tonos, en las luces, en qué colores de ropa voy a usar por mas que sea mi ropa, en cómo va a ser el flyer y el video que promueva la pieza… Pero porque todo me parece parte de una obra y porque al tener oportunidad de trabajar o de tener amigos de otras artes se que nada es tan azaroso y que hay directores de arte, hay diseñadores, hay vestuaristas, hay personas encargadas del scouting; todos trabajan para lograr algo. Disfruto mucho de poder vivir todos estos roles cuando hago una pieza, lo vivo como un juego.

Y… últimamente tengo ganas de hacer una obra en blanco y negro y muda, pero no sé como.. estoy en ello.

Igual disfruto este nuevo rol de chica pop, mientras no sea sinónimo de ligero.

ML: Si bien tu obra pareciera que es simple, se sabe que detrás hay un montón de cosas y mas ahora que te conozco mas, no sé como lo tomen los demás que no te conocen.

AP: Mi búsqueda de presentar algo simple tiene que ver en dar la posibilidad de poder imaginar todo lo que hay detrás. Me interesa mucho que una pieza pueda tener muchas capas y muchos niveles de lectura y creo que si de entrada presento algo rebuscado eso no se va a lograr, la simpleza me ha dado mas oportunidades.

En cuanto a los que no me conocen creo que la mayoría logra ir a eso que hay detrás, no puedo generalizar obviamente. Por ejemplo en el llanto tu pensaste en Cortázar, que si, fue mi primer referente, y es mas esa parte nació de hacer una versión de las Instrucciones para llorar de Cortázar. Pero hubo gente que me habló de Bas Jan Ander y otros que me hablaron de una película en la que sale Naomi Watts… qué se yo, creo que a algún lugar en el detrás los lleva y obviamente no me gustaría que todos me dijeran:  Claro Cortázar.

En este momento confío en la simpleza como un lugar para conectarme con espectador . ¡Qué ojo! No tiene nada ver con el ser complaciente.

EV: No sé muy bien como hilar las tres partes me pasa que en la primera se que primero se da la instrucción y luego se hace y es solo eso, en la segunda hay otra cosa que tal vez tiene mas que ver con la primera y la tercera, sí me dejó así preguntándome, de dónde salió esto.

AP: La primer parte puede ser solo eso en una primera lectura. En esa parte me interesaba mucho investigar sobre la comunicación y de cómo una misma instrucción cada uno la puede interpretar como sea. El que diga la instrucción y después de un rato la haga, da lugar a que sucedan dos o tres espacios entre el espectador y yo: 1) El espacio en el que yo como intérprete resuelvo esa instrucción en mi mente. 2) El  espacio en el que como espectador te imagines que harías tu con esa instrucción. 3) Lo que sucede en el espacio escénico. Y partir de estos espacios te sorprendas desde donde decidí resolverla y probablemente pienses que tu jamás hubieras sacado una aspiradora como objeto, por ejemplo. También se que habrá gente que no quiera entrarle y se aburra y le parezca repetitivo.

Esta parte fue el disparador de que las otras dos existieran, intenté seguir cuestionando la comunicación, los diferentes niveles de interpretación, los lugares comunes para algunos y no tanto para otros.

En la tercer parte empecé a trabajar casi un año después de las dos primeras, tal vez por eso es diferente, porque seguramente un año después yo ya pude apreciar estos cuestionamientos desde otro lugar. Creo que la  diferencia mas grande reside en el que no está la voz como guía y que es el cuerpo con la ayuda de repetición de acciones el que intenta guiar al espectador para lograr esta comunicación. Seguro al no existir la palabra la lectura cambia y eso me interesa mucho, cómo comunicar ya no con la palabra sino con el cuerpo, sin hacer mímica. La forma con la que me encontré fue con repetir utilizando el error como pretexto para volver a repetir y repetir y seguramente podría seguir repitiendo.

EV: Y si voy al título a pensar en las cosas no son (sino) lo que son, me lleva a este metalenguaje, que me lleva a pensar que si algo es pero es y si ……

AP: Jaja! Eso es lo que me gusta que pase. La metateatralidad, el metalenguaje son temas que me interesan.

El título lo encontré en un libro que estaba leyendo en ese momento de cine. Estaba pensando en la aplicación para Opera Prima, sabía que estaba esto de la comunicación, que quería trabajar una composición con cosas, pero después mas que las cosas, me encontré con sus instrucciones. No confiaba mucho en el título pero después me di cuenta que generaba algo y ese algo tenía que ver con lo que generaba la obra, con que si es y que no es.

NL: Para mi hay algo con el tono, no sé bien. De estar haciendo las cosas mal, de los errores, del behind the scenes, de la ficción.

AP: Todo esos conceptos que saltan, están buscados y pensados, así que creo que me alegra que se vean.

Seguramente debo trabajar mas todo. Ayer que veía este documental de Beautiful losers y justo hablaba Mike Milles de la “inteligencia de la torpeza”, creo que hay ahí algo que me atrae. Por mas que a veces te puedes meter en problemas por jugar con ese límite, porque alguien no vea la inteligencia en tu torpeza, pero es un riesgo que me gusta tomar. Estoy acostumbrada a que cuando la gente me conoce un poco mas me comenté algo así como: yo pensaba que eras medio boba.

NL: Cuando yo fui, Leo y tu, comentaron algo de que la gente no se había reído. Me hace cuestionar algo de la complicidad con el espectador, algo así de tu y yo sabes de que estamos hablando o no y ahí te quedas fuera.

AP: Muchos años hice obras en las que me movía, en las que improvisaba, en las que mas que en el espectador estaba preocupada por el tiempo, el espacio, el cuerpo, en la composición.

Con esta nueva forma con la que me voy encontrado me siento muy expuesta y todo el tiempo recibo al espectador, y es algo que tengo que aprender a controlar mas. Sigo sin entender mucho por qué una misma función un día produce algo y al otro día no, pero nunca me interesa colocarme arriba del espectador o juzgarlo o hacerlo sentir que no entendió el chiste.

Mas bien es una inseguridad mía y una debilidad que tengo que aprender a trabajar si quiero seguir haciendo este tipo de obras.

HKM: Así como me pasó con la obra de Juan Fran yo me pregunto qué pasa con el espectador que no es bailarín, que no entiende de estás metodologías. Esto no hace que el espectador se quede fuera, que por eso tengamos tan pocos espectadores.

AP: ¡Qué raro!, yo pensé que era una obra en la que te podías conectar con algo por mas que no fueras bailarín, tal vez estoy equivocada, pero no creo que ni en la primera que hablo de danza y tal vez no entiendas que es un 8 no te puedas conectar con nada. Siento que estoy hablando de temas muy generales como las instrucciones, el llanto, un relato, construcción…  Tampoco quiero pensar que yo hablo de cosas que nadie entiende, sentiría que estoy de entrada menospreciando a los demás sin conocerlos.

LM: De hecho yo fui con un astrónomo y si la primera parte me dijo cómo, qué es esto, pero la última le gustó.

AP: Justo la última parte que es a la que menos fe le tenía, algo causó que no tenía previsto, sigo estudiándola, tiene algo de universal, si se puede decir.

ML: Yo fui la tercera vez que se presentó o la última ya no recuerdo, pero me gustaría saber que pasa con una obra así cuando se repite tanto, yo que vengo interesada con el tema de la improvisación.

AP: Muchos años trabajé con la impro y no podía entender que la gente fijará cosas y las repitiera.

Ahora que me animé a hacerlo, ya desde SEGUNDA TEMPORADA, con guiones establecidos, me doy cuenta que es casi igual y que no te asegura nada. Al contrario te sorprendes mucho con lo que te vas encontrando, con los diferentes públicos, con tus diferentes estados, con que justo en ese momento decides cambiar algo y se puede, con que por mas que el guión decía llora… si no te sale no te sale y esa fragilidad de tu esperar algo de ti que no aparece, me apasionó, definitivamente por un rato quiero seguir trabajando así.

Esto en cuanto en construcción de una obra, tal vez un movimiento que se repite y se repite y se repite, sí llegue a mecanizarse, por lo mismo por ejemplo en el llanto cuando son cosas físicas o en las partes que “bailo” si trato de hacerle variaciones, eso siento que hace que se mantenga mas fresco.

NL: Hay algo raro con Paulina, me daba cuenta que lo podía ser ella o Hunab o es mas no siquiera estar ella.

EV: A mi me pasa eso con tus obras, como que parece que usas un poco a la gente, no sé algo así.

AP: Seguramente al invitar a la gente a cumplir un rol específico dentro de una estructura y que no vengan a investigar algo, puede dar esa visión de “utilizar a alguien.” Mas cuando primero anuncio algo y luego ves a la persona hacerlo. Pero definitivamente elijo trabajar con las personas con las que me gusta estar, con las que me relaciono en un día a día, porque sé que no tengo ganas del rol de directora 100%.

Entonces si ellos me entienden porque me conocen para mi es mejor. Por ejemplo las últimas SEGUNDA TEMPORADA en las que tuve por necesidad que involucrar a otras personas, todo cambiaba mucho. Así que me di cuenta que realmente la gente cumple un rol. El rol de Male y Emilio y como lo resuelven es totalmente una decisión de ellos y es maravilloso como lo hacen y si luego vienen Santi y Miguel para nada los llevo a que imiten a Male y Emi. O sea si están ahí para resolver una acción precisa pero tienen toda la libertad de hacerlo como ellos quieran.

En el caso de esta última obra, si bien el experimento es un poco ese, una mujer que no es bailarina recibe las misma instrucciones que una bailarina, pero con Paulina en estas últimas funciones fue duro trabajar.. Llegaba 5 minutos antes de la función y corría en cuanto terminaba su parte porque tenía clases de ballet, creo que eso hizo que hubiera una mayor desconexión y que diera esa lectura.

Silencio.

AP: Pues listo, ¿no? Perfecto. Muchas gracias, tomo nota de todo y les agradezco mucho el tiempo. Espero que a partir de esto pueda seguir trabajando la pieza.

Anabella Pareja

Reseña de Escenas (in)útiles

 

 

 

http://www.latempestad.com.mx/view/blog.php?id=256

 

Escenas (in)útiles
Nadia Lartigue
26 julio 2011

Mientras crece una inquietud sobre la posición del sujeto en el dispositivo escénico, la práctica coreográfica busca maneras de reposicionarse. Enmarcados por este contexto, 6 artistas convocados por Anabella Pareja, proponen, en Escenas (in)útiles un curioso experimento escénico en el que invitan al espectador a compartir con ellos la responsabilidad de los sucesos que ahí acontecen. Todos tuvieron un mes para crear una pieza corta.

Con Momento Atlántida después. De cómo la célula cambió contemporánea, Hunab Ku Mata Caro inicia estableciendo una temporalidad particular llena de contención y detalle, en la que deja claro que la velada no será una mera complacencia. Y donde Hunab Ku Mata Caro opta por el cuerpo observado, Magdalena Leite voltea a ver al espectador al plantear la reconstrucción de una obra que ella nunca vio. Además del tema de la autoría, se revierte aquí la mirada del espectador. El intérprete deja de ser el único objeto visto, y se convierte en el que mira. En esta misma línea, Juan Francisco Maldonado, con Artist Talk, nos comparte un fragmento de autorretrato. Así, se convierte en ese artista cuyas respuestas alcanzan el sarcasmo genial, y cuyo ego llega a ser francamente insoportable. Mientras nos habla mirándonos a los ojos, nos hace dudar de si está hablando de él, o de todo eso (y todos esos) que lo construyen. Aparecen por ahí referentes como Juan Domínguez, David Bowie y Francis Bacon, entre otros, mientras se lanza en una revisión del concepto de presencia, del cuerpo-imagen, del cuerpo como rizoma. Toca el turno de la anfitriona Anabella Pareja quien nos dice abiertamente: “Yo quiero hacer una película de acción” (consigna que a la vez da título a su pieza). Sin duda un experimento que puede dar más. Es el momento clave de la noche para presenciar una fisicalidad que se agradece, llena de ritmo, humor y algo de ficción. Barbara Foulkes hace una escena corta en la que transita por la ciudad contando el tiempo en gestos. Lo que sorprende con Archivo de una práctica o 26-6, es la manera en que se devela el proceso de creación, con absoluta sencillez. Y finalmente, toca al público ponerse un vestuario… Leo Martins, en Yo sólo podría creer en un Dios que sepa bailar, nos provee de lentes de 3ª dimensión y nos convierte directamente en intérpretes. Un bailarín y una bailarina, nos miran viendo un video con lentes rectangulares azules y rojos, mientras realizan acciones articuladas con la imagen. ¿Un desprendimiento?

Lo que se desprendió esa noche fueron danzas que dejaron a la vista elementos de construcción de la escena. José A. Sánchez tal vez diría que en este combo se expresa un rechazo de lo espectacular que nos invita a pensar en la recuperación de un cuerpo discursivo.

Más sobre Escenas (in)útiles, acá.

AM en REPOSICIONES

El Centro de Historia e Investigaciones en Danza HOy (CHIDHO) , después de una rigurosa  investigación de 5 semanas presenta:

“MEXICAN DANCE”. La verdadera historia de la danza o todo lo que usted siempre quiso saber de la danza contemporánea actual y nunca quiso preguntar”

Una  historia objetiva de la danza   mexicana desde un punto de vista particular,  legitimada por la revelación de documentos hasta el momento protegidos.

1500 visitas a Youtube, 800 megabits, 150 cajetillas de cigarros, 7 libros, 227 autores, 40 horas de discusión exhaustiva, 15.8 litros dr café, 10 cuadernos, 120 e-mails, cierta cantidad de horas de insomnio y 20 pianos en escena.

http://reposiciones.wordpress.com/espectaculo/

Miércoles 16 de febrero
20:30 – Taller ritual de cacería de venados  y Colectivo AM

Teatro el Milagro